„Is anyone seeing this?“..

..fragt sich Curtis LaForche (Michael Shannon) immer wieder. Eigentlich lebt der junge Mann den amerikanischen Traum. Er wohnt glücklich verheiratet in einer idyllischen Kleinstadt, wird von seinen Kollegen geschätzt und selbst die Gehörlosigkeit seiner kleinen Tochter wird von allen Mitmenschen ohne Probleme gemeistert. Sein Leben scheint vollkommen. Völlig unerwartet bekommt Curtis jedoch psychische Probleme. Ihn plagen Alpträume über ein apokalyptisches Unwetter.

Doch es bleibt nicht beim nächtlichen Horror – auch tagsüber wird er von entsetzlichen Fantasien gequält. Jedes mal drehen sich die Halluzinationen um einen aufkommenden Sturm. Binnen kurzer Zeit kann Curtis Realität und Wahnvorstellung nicht mehr unterscheiden. Er betrachtet die Visionen als Warnung und beginnt, einen Bunker für seine Familie zu errichten. Das verstört nicht nur seine junge Frau Samantha (Jessica Chastain) und seine verängstigte Tochter, auch das Ansehen seiner Kollegen schwindet immer mehr. Die Angst vor dem bedrohlichen Gewitter scheint allen völlig suspekt.

Nachwuchstalent Jeff Nichols verbreitet in seinem zweiten Film ein Gefühl von unberechenbarer Panik. Der Zuschauer muss zusehen, wie die Figuren völlig hilflos einer Katastrophe ausgesetzt werden. Dabei ist es egal, ob es sich um Psycho- oder Naturgewalt handelt. Dazu hat er die perfekte Besetzung gewählt: der bereits oscarnominierte Michael Shannon brilliert nicht zum ersten mal in der Rolle eines geistig Gestörten. Sein Können hat er bereits in „Bug“ unter Beweis gestellt. Jessica Chastain verhalf „Take Shelter“ sogar zum Durchbruch. Kurz nach dem preisgekrönten Thriller durfte sie an der Seite von Brad Pitt und Sean Penn in „Tree of Life“ fungieren.

Auch wenn die Story erst etwas an Noah und seine Arche erinnert, entwickelt der Film nach und nach seine ganz eigene Atmosphäre. Die anfängliche Harmonie weicht einem manischen Chaos. Der gezeigte Verlust des Verstandes lässt keine eindeutigen Interpretationen zu. Wie bei „Melancholia“, liegt bei „Take Shelter“ sowohl das interne als auch das externe Idyll nicht weit von der unausweichlichen Apokalypse.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=I5U4TtYpKIc

Um meine Leidenschaft und Ehrerbietung für den im Herbst erscheinenden Ego-Shooter von Gearbox zu verdeutlichen muss ich etwas weiter ausholen. Deshalb gibt es zunächst eine kleine Einleitung.

Im Horrorfilmbereich gibt es bestimmte Pionierarbeiten, die bis heute von anderen Regisseuren zitiert, neuverfilmt oder als Vorlage verwendet werden. Alfred Hitchcocks „Psycho“ legte den Grundstein für das Thrillergenre während der 1974 erschienene „Texas Chain Saw Massacre“ die Filmkategorie des Slashers erschuf. Als dann im Jahre 1977 Georg Lucas mit „Star Wars“ Millionen von Kinobesuchern mit Weltraumschlachten und Außerirdischen begeisterte wurde das Sci Fi Genre endgültig für massentauglich erklärt. Doch während „Star Wars“ junge und alte Zuschauer gleichermaßen faszinierte und mit seiner klassischen Gut gegen Böse Thematik auf die breite Masse zugeschnitten war hatte ein kleiner, bisher noch unerfahrener Regisseur seine ganz eigene Vorstellung von den tiefschwarzen Weiten des Alls.

Ende der Siebziger erschien dann der, Film der nicht nur Ridley Scott zum Durchbruch verhalf, sondern der eine Filmreihe einleiten sollte deren Perfektion und Ästhetik ich mich bis heute nicht entziehen kann. Das ALIEN war geboren. Ein Wesen, in seinem Design und Lebenszyklus so einzigartig wie kein zweites Filmmonster.  Als im Jahre 2006 der Titel ALIENS: Colonial Marines zum ersten Mal angekündigt wurde befand ich mich im siebten Nerdhimmel. Nach knapp 6 Jahren Entwicklungszeit erscheint der Titel nun im Herbst 2012.

http://www.youtube.com/watch?v=EfOOOAN9e9w

Der Auftrag klang einfach. Findet heraus was mit der Crew der U.S.S. Sulaco passiert ist. Ein Routinejob. Wahrscheinlich war ihre Kommunikation ausgefallen oder irgendwelche Instrumente spielten verrückt. Doch als das Alpha- Squad reinging und der Funkverkehr abbrach mussten wir rein und als wir die Bordluke des Raumschiffs öffneten bot sich uns ein grässlicher Anblick.

Einschusslöcher und leere Patronenhülsen sind die stummen Zeugen eines mörderischen Kampfes.

Die Gänge und Wände trieften vor Blut. Alles war überzogen von einer schleimig, fleischigen Schicht von Gewebe. Einschusslöcher und leere Patronenhülsen sind die stummen Zeugen eines mörderischen Kampfes. Die Szenerie wird von der Notbeleuchtung in tödliche Dunkelheit gehüllt. Plötzlich erscheint ein weißer, sich nähernder Punkt auf dem Bewegungsmelder begleitet von einem immer schneller werdenden Piepen. Hier sind wir nun, die Waffe im Anschlag, auf uns alleingestellt.

Allein beim Schreiben dieser Szene geht mir die Ekstase durch Mark und Bein. Dank Lizenzen und einer engen Zusammenarbeit mit Ridley Scott verspricht „Colonial Marines“ die ultimative Suvrvival- Horror Erfahrung für Fans zu werden.

Die Xenomorphen bewegen sich wieselflink und geschmeidig durch die Areale, Waffen klingen wie ihre großen Filmvorbilder, an allen Ecken und Enden finden sich Anspielungen auf die Geschehnisse der Filmtrilogy. Der Unterleib des Androiden Bishop, der abgetrennte Puppenkopf von Newt um nur ein paar zu nennen.Der Gewaltgrad hält sich ebenfalls streng an die Zelluloidvorlage. Chestburster die durch die Rippen befruchteter Menschen brechen.

Mäuler die Schädeldecken zertrümmern

Mäuler die Schädeldecken zertrümmern, Säureblut das sich durch Brustpanzer frisst. Sogar eingefleischte Fans lässt der Grad an Authentizität den das Team um Randy Pitchford hier an den Tag legt frohlockend mit der Zunge schnalzen.

http://www.youtube.com/watch?v=8ppriGQ2A_A

Neben der Kampagne, die sich sogar mit bis zu drei weiteren Mitspielern bestreiten lässt, stellte Gearbox in Rahmen eines Presseevents in Dallas zum ersten Mal den Multiplayer vor. Hier bekriegen sich (Wer hätte es gedacht) Marines und Aliens in verschiedenen Spielmodi. Während die Seite der Marines sich mit Smartgun und Flammenwerfer zur Wehr setzt müssen sich die Aliens auf ihre Schnelligkeit und Nahkampffähigkeiten verlassen. Der Clou: Als Alien spielt man nicht aus der Egoperspektive sondern aus der Third Person Ansicht. Dies soll das schnelle krabbeln an Wänden und durch Lüftungsschächte vereinfachen. Mittlerweile typisch für Multiplayer ist ein intrigiertes Rang- und Punktesystem. Für Abschüsse und das Erreichen von Missionszielen erhaltet ihr Punkte die sich wiederum in Stärkere Waffen oder bessere Aliengattungen eintauschen lassen. Durch dieses Erfahrungspunktesystem sollen sogar Single- und Multiplayer indirekt miteinander verknüpft werden.

Zusammengefasst erwartet euch mit ALIEN: Colonial Marines eine in Blut und Säure getränkte Lizensschlachtplatte die keine Innovationsbäume ausreisen wird aber die Grenze zwischen Filmvorlage und Spiel gekonnt verwischt. Ich kann es jedenfalls kaum erwarten mich auf den Sitz eines Powerloaders zu schwingen und einer vier Meter hohen Alienqueen endgültig den Gar auszumachen.

Hier in Hamburg merkt man es kaum aber: der Sommer kommt tatsächlich! Und während schon vereinzelt die ersten Sonnenstrahlen, die wohlduftende Luft oder wahlweise auch schallendes Vogelgezwitscher genossen werden können, erwacht das Verlangen nach dem passenden Soundtrack. Grund genug für mich, euch eine Band vorzustellen, die genau diese Sehnsucht stillt.

Dafür habe ich mir eine Expertin zur Hilfe geholt. Meine wehrte Freundin, Kollegin und Musikerin Leonie Scholl von Lie Craze hat sich die Tracks von Paper & Places ebenfalls angehört und sich eine eigene Meinung gebildet.

„Paper & Places ist der wohlklingende Name dieser dreiköpfigen Indie-Formation aus Regensburg, die im vergangenen Monat ihre EP “To Berlin” auf den Markt gebracht hat. “We like to make pop music with a Twist” beschreiben sie ihren Sound auf ihrer Facebook-Seite (auf der es übrigens auch einige ihrer Songs zum Anhören und Herunterladen gibt). Stellt man nun noch ein “Indie” oder “Electro” vor das angesprochene “Pop”, so trifft diese selbstgetätigte Aussage schon hundertprozentig auf ihren Stil zu, ohne dass man noch viele Attribute und Schnörkel hinzufügen müsste. Eine Mischung aus den Foals, Two Door Cinema Club und Ghost Of Tom Jod, die viel erwachsener und ausgereifter klingt, als man es solch jungen, deutschen Künstlern normalerweise zutrauen würde.

Kein Wunder also, dass sich das Label ADP, bei dem auch unter Anderem musikalisch vergleichbare Bands wie I Heart Sharks und I’m not a Band unter Vertrag sind, ihrer angenommen haben.

Manch einem mögen Paper & Places auch noch unter ihrem alten Namen Brics bekannt sein, den sie aus Markenrechts-Gründen ablegen mussten. So oder so bleiben sie aber der Kritikers Lieblinge und werden als junge Indie-Hoffnung der Stunde gehandelt. Wir sind auf ihre weitere Entwicklung gespannt und wünschen ihnen alles Gute auf ihrem Trip nach Berlin.“

Genau wie Leo überzeugen auch mich Professionalität und Potential der Newcomer. In der weiten Welt des Internets wurde eins ihrer Stücke als „unschuldig“ bezeichnet – das trifft es ganz gut: Paper & Places sind unverfälscht und pur.

Und so hoffe ich, dass wir bald mehr von ihnen hören werden. Gelegenheiten dafür gibt es ja genug. Egal ob bei Verführungsstrategien dem anderen Geschlecht gegenüber, einem gemütlichen Kaffeetrinken auf der Terrasse oder einem spontanen, leichtbekleideten Tanz im Sommerregen. Mein Favorit bleibt aber der Gang nach Hause nach einer wilden Party. Wenn man gemütlich durch die stille, laue Sommernacht spaziert und sich einfach des Lebens erfreut – mit Paper & Places im Ohr.

Einen kleinen Vorgeschmack findet ihr hier:

http://www.youtube.com/watch?v=KenC2GVqRiU

„Hesher was here!“..

..steht auf einem Hausdach eines ruhigen Vorortes, nachdem Hesher (Joseph Gordon-Levitt) dort wütete. Doch außer Chaos, Verwirrung, Gewalt und Fäkalsprache hat er letztendlich auch Farbe in das triste Leben der Besitzer gebracht.

Der 13-jährige TJ (Devin Brochu) erlebt eine schwere Kindheit. Nach dem tragischen Unfalltod seiner Mutter lebt er mit seiner überbesorgten Oma und dem depressiven Vater Paul (Rainn Wilson) zusammen. Den plötzlichen Verlust kann keiner der drei richtig verkraften und so muss TJ zu Hause die bedrückende Stimmung und in der Schule die regelmäßigen Demütigungen ertragen. Eines Tages trifft er durch einen unglücklichen Zufall einen verwahrlosten Metaller, der ungefragt mit in das Haus der leidgeprüften Familie einzieht.

TJ und Hesher fühlen sich immer mehr verbunden – vor allem wegen der schwierigen Vergangenheit. Während sich Heshers Unmut durch Brutalität, Zerstörung und Anarchie äußert, wird TJ immer zorniger, bockiger und trotziger. Als sich beide in die Verkäuferin Nicole (Natalie Portman) verlieben, prallen all diese negativen Eigenschaften aufeinander.

Das im Jahre 2010 erschienene Filmdebüt von Spencer Susser verbreitet durchgehend eine eher morbide Stimmung. Zwar hilft der arbeits- und obdachlose Hesher durch seine unkonventionelle Art und sein infantiles Verhalten der Familie aus dem alltäglichen Trott rauszukommen. Allerdings ist er dabei kein guter Einfluss und schon gar kein guter Freund. Er ist ein drastischer Eindringling, der nur minimales Interesse an den Schicksalen seiner Mitmenschen zeigt. Doch genau eine solche absurde Hassliebe wird in dem gefühlskalten und leidenschaftslosen Leben des Teenagers gebraucht.

Joseph Gordon-Levitt zeigt in „Hesher“ ungewöhnliche Facetten: er ist ungepflegt, unfreundlich, nicht vorhersehbar und ganz und gar egozentrisch. Die unangenehme Rolle meistert er allerdings fabelhaft. Auch Devin Brochu, Rainn Wilson und Natalie Portman sind mehr als ansehnlich.

Ein Klassiker wie „Big Lebowski“ wird aus „Hesher“ wohl nicht, obwohl die Figuren einige Parallelen aufweisen. Anschauen sollte man sich den Film trotzdem – allein schon, weil es an jeder noch so dramatischen und niederschmetternden Situation etwas Gutes gibt. Genau diese Botschaft vermittelt „Hesher“ auf seine einzigartig rotzige Art.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=HXKRKpvv3SU

„I used to have the same bike when I was your age.“..

..witzelt die junge Außenseiterin Abby (Emma Stone) als sie den abgehalfterten, mitten in der Midlifecrisis steckenden Autor Richard Dunn (Jeff Daniels) auf einem Fahrrad sieht. Nach dem extremen Misserfolg seines Buches, beschließt Richards Frau Claire (Lisa Kudrow), ihn in eine kleine Vorstadt zu bringen, damit er zur Ruhe kommt. Gleichzeitig setzt sie ihn unter Druck, schnellstmöglich ein neues Werk zu verfassen.

Der neurotische, zerstreute Schriftsteller ist so verzweifelt, dass er sogar für die einfachsten Aufgaben die Hilfe seines imaginären Freundes aus Kindertagen – Captain Excellent (Ryan Reynolds) – benötigt. Plötzlich trifft er die nicht minder einsame und traurige Abby, die außer ihrem besten Freund Christopher (Kieran Culkin) niemanden zum Reden hat. Er lädt sie ein, auf die nicht vorhandenen Kinder aufzupassen. Doch als Abby den Schwindel bemerkt, bleibt sie trotz der Lüge an Richards Seite.

Und so teilen die beiden nach und nach nicht nur kulinarisches Wissen sondern auch ihre Lebensgeschichten und entwickeln eine zarte Freundschaft, die niemand außer ihnen versteht. Vor allem Claire und Christopher weigern sich entschieden, diese Beziehung zu akzeptieren.

Michele und Kieran Mulroney zeigen in ihrem 2009 erschienenen Film, wie nervenaufreibend Isolation für einen Menschen sein kann und dass eine Freundschaft voller Verständnis und Respekt keine gesellschaftlichen Normen erfüllen muss. Besonders liebevoll sind die zwei Hauptcharaktere herausgearbeitet. Durch die vielfältige Abwechslung von Eigenschaften und Gefühlen wird ihre sympathische Menschlichkeit teils mit Humor und teils mit Anteilnahme betont. Diese ausufernde Charakterisierung schafft ein Gefühl der Identifikation. Auch extrem liebenswürdig ist die Figur des Captain Excellent, die komplett abstrakt und übertrieben dargestellt wird und somit die Fantasiewelt repräsentiert.

Daniels und Stone sind wie immer wundervoll. Kudrow, Reynolds und Culkin übernehmen dieses mal für sie eher befremdliche Rollen – meistern diese aber gekonnt. Der Zuschauer bekommt eine kunterbunte Tragikomödie zu sehen, bei der Erwachsene zu Kindern werden und die triste Realität mittels Imagination aufgewertet und gleichsam vereinfacht wird. Zuerst kommt sachter Humor, dann verzweifeltes Wirrwarr und am Ende bleibt positive Leere.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=11ym8BO-9vo

„Love conquers all. Haven’t you seen The Graduate?“..

..sagt Mavis Gary (Charlize Theron) genervt. Aber das ist nichts Außergewöhnliches – denn Mavis ist immerzu genervt. Eigentlich hat die Ghostwriterin einer Jugendserie alles: sie ist schön, reich und wohnt in einer Großstadt. Doch hinter der Fassade verbirgt sich ein verbittertes, garstiges Miststück.

Mavis’ Ehe wurde geschieden, sie verliert ihren Job, Freunde hat sie nicht und ihr Alltag besteht aus ungesundem Essen, viel Alkohol, nervösen Ticks und Sex mit wildfremden Männern. Trotzdem glaubt sie aufgrund ihres Aussehens etwas Besseres zu sein und alles im Leben erreicht zu haben, wovon andere nur träumen. Als das hübsche Biest  mitbekommt, dass ihre Jugendliebe Buddy Slade (Patrick Wilson) glücklich verheiratet ist und eine Tochter bekommen hat, entschließt sie sich, ihn aus seinem tristen Kleinstadtalltag zu „retten“, indem sie seine Ehe zerstört. Wieder in ihrer Heimatstadt, einem idyllischen Vorort, angekommen, trifft Mavis auf den ehemaligen Mitschüler Matt Freehauf (Patton Oswalt), mit dem sie scheinbar nichts gemein hat – außer dem ständigen Leben in der Vergangenheit.

Charlize Theron hat bereits in „Monster“ ihre hässliche Seite gezeigt, jedoch war die Schauspielerin noch nie so unsympathisch und abstoßend wie in „Young Adult“. Sie präsentiert sich sensationell desinteressiert, desillusioniert und erfindet das Wort „Arroganz“ quasi neu. Zu keinem einzigen Zeitpunkt überdenkt die Figur ihre Lebenssituation oder stellt ihr Verhalten in Frage. Sich die Misserfolge eingestehen, ist für Mavis keine Option.

Das Duo, das bereits den Kassenhit „Juno“ hervorgebracht hat, bietet uns dieses Jahr „Young Adult“ als cineastischen Leckerbissen: Drehbuchautorin Diablo Cody und Filmregisseur Jason Reitman. Cody schafft es, ihre Antiheldin so komplex zu gestalten, dass man eigentlich nicht mitfühlen will – es aber im Endeffekt doch ein wenig tut. Reitman erzielt durch die konservative Umgebung ein Gefühl der ständigen Deplatzierung. Diese perfekte Symbiose offenbart bis zum Schluss nicht, ob Mavis sich ihrer Probleme bewusst ist.

„Young Adult“ ist wie „American Beauty“ – nur weniger dramatisch. Oder wie „About Schmidt“ – nur weniger dynamisch. Oder wie „Broken Flowers“ – nur weniger munter. Es ist keine gekünstelte, abenteuerliche oder überspitzte Geschichte – sondern eine provokante und polemische Begebenheit wie mitten aus dem Leben.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=a1xdzf5lIxY

„Tell me to let it be, tell me to forget about it.“..

..bittet Brendan (Joseph Gordon-Levitt) seinen Kumpel, obwohl er genau weiß, dass er es nicht einhalten wird. Nachdem Brandans Freundin Emily (Emilie de Ravin) Schluss gemacht und sich der Clique des größten Drogendealers der Stadt Pin (Lukas Haas) angeschlossen hat, ist sie plötzlich verschwunden. Von alten Gefühlen verfolgt, betrachtet Brendan es als seinen persönlichen Auftrag, herauszufinden, was passiert ist.

Schon bald taucht die Leiche seiner Ex-Freundin auf. Das spornt ihn jedoch nur noch mehr an, den Mörder zu entlarven und den Drogenring zu sprengen. Er schleust sich selbst in den Inner Circle, um den Mordfall aufzuklären. Dabei gerät er nicht nur ein mal in riskante Situationen.

Die gesamte Handlung des Films findet nicht etwa in einer Detektivkanzlei oder Polizeistation statt, sondern an typischen Teeniefilm-Plätzen (High-School, Hausparties etc.) statt. Alle Protagonisten sind Schüler. Das wird dem Zuschauer auf extrem amüsante Weise vor die Augen geführt. Beispielsweise durch das Auftauchen von Elternteilen, durch welches sich das komplette Verhalten der Gangster schlagartig ändert. Das Ganze ist wie ein ungewöhnliches Theaterstück mit klassischer Film-Noir-Atmosphäre aufgebaut. Durchgehend wird dem Zuschauer übertriebene Coolness präsentiert. Ein gekonnter Schlagabtausch folgt dem Nächsten. Die Darsteller hatten sogar die Anweisung, das Schauspiel zu überspitzen, um nicht ganz echt zu wirken. Dadurch entstand eine stilistisch ganz besondere Kriminalgeschichte, die den Zuschauer bis zur Schlusssequenz fesselt.

„Brick“ erschien 2005 als erster Film von Regisseur Rian Johnson. Da dieser kaum finanzielle Mittel zur Verfügung hatte, musste er das gesamte Material zu Hause auf seinem eigenen Computer schneiden. Dabei ist ein kleines, dezentes Meisterwerk herausgekommen, das sowohl Fans von Romanzen als auch von Thrillern in seinen Bann zieht. Die Inszenierung überzeugt durch die angenehme Balance zwischen nervenaufreibenden und ruhigen Szenen. Ganz besonders originell sind jedoch die skurrilen Gestalten des Films, die durch ihre Vielschichtigkeit und Eigentümlichkeit beeindrucken.

Es wäre wohl vermessen, zu sagen, dass der Film an Hitchcocks Meisterstücke erinnert. Aber er geht auf seine eigene moderne und ausgefallene Weise in eine ähnliche Richtung – inklusive der fulminanten Endszenen. Durch seine stilvolle, artifizielle Machart und den kühlen, lakonischen Zynismus schafft „Brick“ eine Art minimalistische Reizüberflutung – ein Film als Kunstform mit einem überragenden Joseph Gordon-Levitt in der Hauptrolle.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=4Zfw8__A7ps

Der JMC-Magazin Sampler im März 2012

Unsere Freunde vom Magazin “JMC” bringen jeden Monat einen Sampler an der Start, der sich gewaschen hat.
Zehn neue Songs und das kostenlos. In der Pop10-Studio Schalte erklärt JMC-Redakteurin Juli, welche Songs ihr in diesem Monat abgreifen könnt und vor allem wie ihr an die Songs kommt.
Und hier gibt es den Sampler: Download

http://www.youtube.com/watch?v=uh_qLV06DE0

„Do you remember the story about the burning boy?“..

..fragt ein Kollege den passionierten Therapeuten Sam Foster (Ewan McGregor). Allerdings kann er die besagte Geschichte nicht erzählen, da er unterbrochen wird. Deshalb hier eine kurze Zusammenfassung: Freud beschrieb einen besonderen Fall der Traumanalyse. Nach langem Leiden stirbt ein Junge in seinem Krankenbett. Sein Vater stellt Kerzen auf und geht ins Nebenzimmer, um sich kurz auszuruhen. Er träumt davon, dass der Junge seinen Arm hält und sagt: „Vater, siehst du nicht, dass ich brenne?“

Darauf wacht der Vater auf und läuft ins Zimmer des Sohnes. Dort ist eine Kerze umgefallen und der Arm des Jungen steht in Flammen. Was das mit „Stay“ zu tun hat? Ihr werdet es sehen.

2005 schuf Regisseur Marc Forster einen Film, dessen Handlung so verworren ist, dass Freuds Geschichte sie wohl noch am besten beschreibt. So viel sei gesagt: Therapeut Sam Foster versucht den Kunststudenten Henry Letham (Ryan Gosling) von dem angekündigten Selbstmord abzuhalten. Seine Freundin, die Kunstlehrerin Lila Culpepper (Naomi Watts), hilft ihm dabei. Das Geschehen wird nach und nach immer undurchschaubarer – Sams gesamte Existenz wird in Frage gestellt. Wie die absurden Ereignisse und die einzelnen Personen zueinander in Beziehung stehen, wird erst am Ende des Films aufgelöst.

Neben der fesselnden Story ist die Kameraarbeit und das Editing besonders hervorzuheben. Diese passen nicht nur zum Kontext, sie schaffen erst die markante Skurrilität. Die außergewöhnlichen, prägnanten und überraschenden Schnitte, Schwenks, Zooms, Einstellungen du Perspektiven sind auf die Thematik ausgelegt und machen somit den Film aus.

Wer klassischen MindFuck wie „The Sixt Sense“, „The Machinist“ oder „Black Swan“ mag, wird wohl zu diesem visuellen Leckerbissen, der spannenden Handlung und den exzellenten Schauspielern nicht nein sagen können.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=L6GGsl6XUNU

„It’s time to wake up and be a man.“..  

..verkündet ein  Brief, den der verlotterte aber talentierte Literaturstudent Jarle Klepp (Rolf Kristian Larsen) von einer jungen Frau erhält, mit der er vor ungefähr 8 Jahren einen One-Night-Stand hatte. Diese wurde damals schwanger, ohne Jarle etwas davon zu erzählen. Die Tatsache, dass er plötzlich ein Kind hat, ändert Jarles Leben grundlegend.

Völlig überfordert muss er nun eine ganze Woche auf seine Tochter Charlotte Isabel (Amina Eleonora Bergrem) aufpassen. Das gestaltet sich schwierig – vor allem weil Jarle sein von Partys, Alkohol und Sex geprägtes Studentenleben auf keinen Fall aufgeben möchte. Seine wichtigste Aufgabe besteht darin, eine Geburtstagsfeier für Lotte zu organisieren. Nebenbei muss er einen Artikel für die Lokalzeitung verfassen und seine On/Off-Beziehung regeln – Situationskomik ist also quasi vorprogrammiert. Ohne jegliches Feingefühl versucht Jarle, dem kleinen Mädchen seinen Lebensstil aufzuzwingen und merkt dabei nicht, dass Lotte sein Dasein viel mehr dominiert als er glauben möchte.

Auffällig ist das herrliche Schauspiel, das dem Zuschauer präsentiert wird. Mancher halbgare Hollywoodstar könnte sich von der Darbietung der norwegischen Akteure ein paar Scheiben abschneiden. Rolf Kristian Larsen ist in der Rolle von Jarle ein vollkommen glaubwürdiger Student, der seine Fähigkeiten und seine Intelligenz selbst unterschätzt und an der neuen Lebenssituation verzweifelt. Amina Eleonora Bergrem verkörpert den ungewollten Überraschungsgast namens Charlotte Isabel dermaßen bezaubernd, unschuldig und gleichzeitig so diszipliniert, dass man nur Bewunderung zollen kann. Auch alle anderen Charaktere werden wunderbar gespielt und passen tadellos in das Gefüge des Films, zu dem es übrigens eine Vorgeschichte mit selben Figuren gibt. „Der Mann, der Yngve liebte“ (Mannen som elsket Yngve) ist zwar thematisch und stimmungsmäßig „Ich reise allein“ so gar nicht ähnlich, jedoch nicht minder empfehlenswert.

Regisseur-Newcomer Stian Kristiansen schafft das, was Viele versuchen: eine Projektion des realen Lebens auf Leinwand zu bannen. Authentisch, charmant, zuckersüß und rührend. Ein perfekter Sonntagabendfilm á la Garden State.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=dGbGjSMCW78

JMC bringt gewohnt gute Musik für umme

Jeder Monat ein Soundtrack.
Die Online Kollegen von JMC wissen wie man eine Tracklist bestücktund tun das sogar for free.

http://www.youtube.com/watch?v=gBjsf-rzV0k

Wenn Ihr an den neuen Sampler wollt, dann klicken und mitmachen.
In drei Schritten habt ihr die neue Musik auf eurem Rechner.Die Compilation gibt es nirgendwo zu kaufen! Als Newsletter-Abonnent bekommt ihr sie GRATIS! Versucht aber erst garnicht mit temporären Emailadressen irgendwas zu tricksen. Die Belohnung erhalten auch nur echte treue Leser und Zuschauer!
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JMC schreibt: “Der Winter hat uns jetzt doch noch in seine eisigen Klauen gepackt. Grund genug für uns, euch mit neuer Musik zu versorgen, mit denen sich die Kälte von draußen zumindest für eine Weile vergessen lässt. Selten zuvor waren wir in so vielen Ländern unterwegs: Nach USA, Kanada, UK, Schweden, Niederlande, Deutschland und Spanien hat es uns für die aktuelle jmc Compilation 2012 zwei verschlagen. Und schon wieder ist eine Indierock-Institution dabei: LAMBCHOP, die mit ihrem sehr eleganten “If Not I’ll Just Die” diese Compilation gemächlich ausläuten.

Aber vorher gibt es genug Chancen, sich die Kälte aus den Gliedern zu tanzen: Die junge deutsche Band Hello Gravity, die Schweden Kristoffer & The Harbour Heads, das Newcomer-Trio NIAS aus Berlin, die Kanadier Yukon Blonde und auch das spanisch-schwedische Duo Pablo Decoder laden explizit auf die Tanzfläche, während Shearwater, einst gegründet von Okkervil River-Frontmann Will Sheff, Pete Philly, Die Türen und auch die Briten von Errors unsere jmc Compilation 2012 zwei auf ihre ganz eigenen Weisen abrunden und schon mal offen gegen das System wettern. Aber eins ist klar: Gute Unterhaltung garantiert, wie immer!

Die Playlist zum neuen Sampler

Tragt euch einfach oben rechts auf dieser Seite für unseren Newsletter an und schon kommt die Compilation in Form eines Dowloadlinks für 10 heiße Gratistracks MONATLICH in euer Postfach geflattert!”

„I could have been a Schopenhauer… a Dostoyevsky!“..

..lautet ein Satz aus Tschechows Stück „Onkel Wanja“, über den der entmutigte Schauspieler Paul Giamatti (Paul Giamatti) immer wieder stolpert. Er ist davon überzeugt, dass seine Gefühlswelt die Bühnenkarriere bedroht und trifft die radikale Entscheidung, seine Seele mit modernster Technik entnehmen zu lassen.

Das macht nicht nur den Kollegen sondern vor allem seiner Frau zu schaffen. Zeitgleich besorgt sich in Russland eine Verbrecherbande illegal Menschenseelen, um sie verfälscht und willkürlich weiterzuverkaufen. Es kommt, wie es kommen muss: Pauls Seele wird von dem Bandenmitglied Nina (Dina Korzun) gestohlen und einem russischen Soapsternchen mit mangelndem Talent implantiert. Paul beschließt, die Seele auf eigene Hand wiederzubeschaffen. Nina, die seine Schauspielkunst inzwischen kennen und lieben gelernt hat, zeigt Reue und hilft ihm dabei. Doch auch sie ist bereits durch Seelentransplantationen vorbelastet.

Sophie Barthes und Andrij Parekh präsentieren in dem 2009 erschienen Drama „Cold Souls“ auf eine angenehm simple Weise eine der wohl interessantesten Thematiken der Menschheit: die Frage nach dem, was eine Person einzigartig macht. Ist ein Mensch ohne Seele bloß eine leere Hülle? Würden ohne Seele unsere emotionalen Probleme schwinden und würden wir sie deshalb freiwillig weggeben? Diese und weitere Fragen werden in „Cold Souls“ aufgeworfen.

Der Film erinnert vereinzelt sehr an „Being John Malkovich“. Zum einen wegen der düsteren Stilmittel, der tragisch komischen Geschehnisse – vor allem aber weil der Hauptcharakter seinen realen Namen trägt und sich die Handlung dadurch in die Realität zu übertragen versucht.

Die Darstellung der korrupten russischen Betrüger ist eher klischeebehaftet: gefühlskalte, laute Businessmänner mit starkem Akzent. Die dunklen Machenschaften würden sich aber wohl in der Realität so ähnlich abspielen – wenn nicht in Russland, dann in einem anderen Land. Charmant ist die Darbietung von Paul Giamatti, der ganz und gar in seiner Unsicherheit, seiner Frustration und dem gesamten Lebensdilemma aufgeht. Mindestens genau so ansprechend ist der Filmsoundtrack, der zwar melancholisch und bewegend ist, ohne jedoch völlig gefühlsduselig und schnulzig daherzukommen.

Besonders sehenswert für diejenigen, die Charlie Kaufman Filme („Adaption“, „Synecdoche, New York“ etc.) mögen. Prädikat: gut fürs Seelenheil.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=-gn_IMwQ6ss

„I don’t know what to say!“..

..faucht Nancy Cowan (Kate Winslet) in die Kamera und lügt dem Zuschauer somit ins Gesicht. Mit seinem aktuellen Film „Carnage“ (zu deutsch: „Gott des Gemetzels“) liefert Roman Polanski ein hollywooduntypisch kontroverses, aufreibendes und eigensinniges Wortgefecht ab.

Man mag von dem umstrittenen Filmemacher halten, was wann will – eins kann man nicht abstreiten: seine Regiearbeit ist stets eigen und imposant. Alle vorurteilbehafteten Zuschauer sollten ihre Vorbehalte für eine Weile ablegen und sich vom verbalen Krieg überzeugen lassen.

Die Story ist simpel und eher sekundär – das, was im Gedächtnis bleibt, ist das bunte Dialogfeuerwerk, das unerwartet gezündet und im Sekundentakt abgefeuert wird. Dabei gibt es keine Seite, auf die man sich schlagen könnte – es herrscht anarchistische Konfusion. „Jeder gegen jeden“ könnte das Motto des Streitgesprächs lauten. Die Aussagen sind dabei so mehrdeutig und umfangreich, dass die Konversation nach und nach ein Eigenleben entwickelt und im wortreichen Feldzug gipfelt.

„Carnage“ ist eigentlich ein Theaterstück. Das wird auch im Film deutlich: über eine Stunde lang unterhalten sich vier Menschen in einem Zimmer. Für Manche wird das wahrscheinlich nicht genug sein. Kein Blut, keine nackten Tatsachen und keine großen Romanzen – nur Worte. Jedoch sind diese so gut gewählt, getimt, authentisch und so schön unpassend, dass man gezwungenermaßen gebannt zuhört und auf den nächsten Streitpunkt wartet.

Zur Besetzung kann man Folgendes sagen: John C. Reilly (als Michael Longsteet) hält sich leider im gesamten Filmverlauf eher zurück. Von ihm ist man eigentlich Besseres gewöhnt. Jodie Foster (als Penelope Longstreet) und Kate Winslet (als Nancy Cowan) wurden bereits für verschiedene Awards nominiert – teilweise gehen sie gegeneinander ins Rennen. Erstaunlich ist jedoch, das Christoph Waltz‘ (als Alan Cowan) Leistung bislang noch nirgends honoriert wurde. Jeder, der ihn für etwas übergehyped hielt (wie beispielsweise meine Wenigkeit), wird positiv überrascht sein. Der deutsche Darsteller läuft mit seiner Darbietung seinen amerikanischen Kollegen den Rang ab. Waltz hat nicht nur eine unausstehliche Rolle – er ist die Antipathie in Person und das mit so viel Sarkasmus und Desinteresse, dass er fast wieder liebenswürdig wirkt.

Sozialverhalten? Zivilisiertes Bürgertum? Regeln und Normen? Ethik und Moral? Vergesst es. Was man zu sehen bekommt, ist im Grude eine Gesellschaftssatire ohne Hemmungen. Geeignet für jeden Liebhaber des gepflegten Zynismus.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=5YAjUqsal-Q

„Are you a dreamer?“..

..fragt ein Fremder den ebenfalls unbenannten Hauptprotagonisten (Wiley Wiggins). Ja, ist er – und das ist sein größtes Problem. Regisseur Richard Linklater porträtiert in dem 2001 erschienen Film „Waking Life“ einen jungen Mann, der es partout nicht schafft, aus einem Traum aufzuwachen.

Es gibt eine Handvoll Filme, die das Publikum aufgrund ihrer Einzigartigkeit nicht mehr loslassen. „Waking Life“ gehört aus mehreren Gründen dazu.

Angefangen damit, dass im gesamten Verlauf der Geschichte keinerlei Hintergrundinformationen zu den dargestellten Charakteren geliefert werden. Weder Name noch Herkunft oder Eigenschaften werden beleuchtet. Alle Protagonisten tauchen als unbekannte Gestalten aus dem Nichts auf und verschwinden wieder dorthin. Dieser Aspekt des Unwissens fesselt das Publikum und bietet viel Platz für Interpretationen.

Die Machart zeichnet den Spielfilm ebenfalls aus. Einen Traum filmisch umzusetzen, ist eine Herausforderung, die Fingerspitzengefühl und Einfallsreichtum erfordert. Linklater verwendet hierfür etliche außergewöhnliche Stilmittel und Elemente. Neben der atmosphärischen Optik, ist auch die Narrationsstruktur auffällig – die Szenen scheinen sich ohne erkennbaren Bezug aneinanderzureihen. Das Gefüge wird nur von der Hauptthematik des Films gestützt. Der Zuschauer hat vielmehr das Gefühl, ein Kunstwerk zu betrachten. Somit wird „Waking Life“ zu einem Filmerlebnis der besonderen Art.

So fesselnd wie die Story ist auch die Filmmusik. Ein eigens dafür verantwortliches Orchester gestaltet den Soundtrack ergreifend und mitreißend und sorgt somit für eine energische und abwechslungsreiche Untermalung der Szenen. Die einzelnen Stücke sind scheinbar wirr und chaotisch und passen aufgrund dieser Unruhe exakt in den Kontext von „Waking Life“.

Doch der wohl interessanteste Aspekt an dem Film sind die Philosophien, die nach und nach vermittelt werden. Da werden in Debatten, Argumentationen und Monologen pausenlos Weltanschauungen, Ideologien, Lebensweisheiten und individuelle Ansichten offenbart und diskutiert, bis der Zuschauer sich in den Ausführungen verliert. Dieser enorme Input sorgt dafür, dass ein jeder das Leben und das eigene Selbst zwangsläufig zu reflektieren versucht. Ein Film, der dermaßen zum Nachdenken und Austauschen anregt, ist durchaus eine Rarität.

Alles in allem ist „Waking Life“ ein gutes Beispiel dafür, dass man nicht jeden Film in eine (Genre-)Schublade schieben kann und muss. Faszinierend für alle Träumer und die, die es noch werden wollen.

Hir gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=LCi5O3pzRYw

„People look stupid when they cry.“..

..stellt Frank (Rainn Wilson) fest, als er sich weinend im Spiegel betrachtet. Nachdem seine Frau Sarah (Liv Tyler) mit dem Drogendealer Jacques (Kevin Bacon) durchbrennt, glaubt er eine göttliche Botschaft (im Original übrigens die Stimme von Rob Zombie) empfangen zu haben.

Als ‚Auserwählter‘ sammelt Frank Informationen über Superhelden, um selbst einer zu werden. Zur Grundausstattung gehören natürlich Kostüm, Symbol, Leitspruch (Zitat: „Shut up, crime!“) und – da er keine Superkräfte hat – Waffen. Die junge Comicbuchverkäuferin Libby (Ellen Page) merkt schnell, dass Frank mehr möchte, als nur zu dem Thema zu recherchieren. Sobald er ihr seine geheime Identität verrät, stolpern die beiden als The Crimson Bolt und Sidekick Boltie in moderner Slapstick-Manier und mit mehr Glück als Verstand von einem waghalsigen Abenteuer ins nächste. Bis der Endgegner bezwungen werden muss: Jacques, der Sarah inzwischen für seine illegalen Geschäfte ausnutzt.

Zu dem Cast der 2010 erschienenen Filmkomödie braucht man nicht viel sagen. Mit Hollywoodgrößen Liv Tyler und Kevin Bacon sorgte Regisseur James Gunn für das nötige Staraufgebot. Rainn Wilson wirkt als unbeholfener Einzelgänger in der Midlifecrisis außerordentlich sympathisch und bei Ellen Page hat man inzwischen ohnehin das Gefühl, sie könnte fast jede Rolle übernehmen. In „Super“ schafft sie es, den Charakter dermaßen schrill, eigensinnig und nervig zu verkörpern, dass der Zuschauer intuitiv eine Abneigung verspürt.

Mit viel Liebe zum Detail wird die Geschichte eines vermeintlichen Losers erzählt, der alles aufs Spiel setzt, um seine große Liebe zurückzugewinnen. Humoristische und gefühlsgeladene Szenen wechseln sich ab, ohne dass der Film überladen wirkt. Besonderes Augenmerk wird dabei auf die Empathie des Publikums gelegt; obwohl Franks Verhalten meist absurd und skurril ist, kann der Beobachter seine Handlungen nachvollziehen und fühlt bei jedem seiner emotionalen Ausbrüche mit.

Und als ob das nicht genug wäre, erwartet die Zuschauer ein wunderbar ungewöhnliches Ende. Empfehlenswert für alle, denen „Kick-Ass“ gefiel und diejenigen, die ihre Skizzen für das eigene Superheldenlogo heimlich unter dem Bett verstecken.

Hir gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=ctcURFb7XE4