„Tell me to let it be, tell me to forget about it.“..

..bittet Brendan (Joseph Gordon-Levitt) seinen Kumpel, obwohl er genau weiß, dass er es nicht einhalten wird. Nachdem Brandans Freundin Emily (Emilie de Ravin) Schluss gemacht und sich der Clique des größten Drogendealers der Stadt Pin (Lukas Haas) angeschlossen hat, ist sie plötzlich verschwunden. Von alten Gefühlen verfolgt, betrachtet Brendan es als seinen persönlichen Auftrag, herauszufinden, was passiert ist.

Schon bald taucht die Leiche seiner Ex-Freundin auf. Das spornt ihn jedoch nur noch mehr an, den Mörder zu entlarven und den Drogenring zu sprengen. Er schleust sich selbst in den Inner Circle, um den Mordfall aufzuklären. Dabei gerät er nicht nur ein mal in riskante Situationen.

Die gesamte Handlung des Films findet nicht etwa in einer Detektivkanzlei oder Polizeistation statt, sondern an typischen Teeniefilm-Plätzen (High-School, Hausparties etc.) statt. Alle Protagonisten sind Schüler. Das wird dem Zuschauer auf extrem amüsante Weise vor die Augen geführt. Beispielsweise durch das Auftauchen von Elternteilen, durch welches sich das komplette Verhalten der Gangster schlagartig ändert. Das Ganze ist wie ein ungewöhnliches Theaterstück mit klassischer Film-Noir-Atmosphäre aufgebaut. Durchgehend wird dem Zuschauer übertriebene Coolness präsentiert. Ein gekonnter Schlagabtausch folgt dem Nächsten. Die Darsteller hatten sogar die Anweisung, das Schauspiel zu überspitzen, um nicht ganz echt zu wirken. Dadurch entstand eine stilistisch ganz besondere Kriminalgeschichte, die den Zuschauer bis zur Schlusssequenz fesselt.

„Brick“ erschien 2005 als erster Film von Regisseur Rian Johnson. Da dieser kaum finanzielle Mittel zur Verfügung hatte, musste er das gesamte Material zu Hause auf seinem eigenen Computer schneiden. Dabei ist ein kleines, dezentes Meisterwerk herausgekommen, das sowohl Fans von Romanzen als auch von Thrillern in seinen Bann zieht. Die Inszenierung überzeugt durch die angenehme Balance zwischen nervenaufreibenden und ruhigen Szenen. Ganz besonders originell sind jedoch die skurrilen Gestalten des Films, die durch ihre Vielschichtigkeit und Eigentümlichkeit beeindrucken.

Es wäre wohl vermessen, zu sagen, dass der Film an Hitchcocks Meisterstücke erinnert. Aber er geht auf seine eigene moderne und ausgefallene Weise in eine ähnliche Richtung – inklusive der fulminanten Endszenen. Durch seine stilvolle, artifizielle Machart und den kühlen, lakonischen Zynismus schafft „Brick“ eine Art minimalistische Reizüberflutung – ein Film als Kunstform mit einem überragenden Joseph Gordon-Levitt in der Hauptrolle.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=4Zfw8__A7ps

„Do you remember the story about the burning boy?“..

..fragt ein Kollege den passionierten Therapeuten Sam Foster (Ewan McGregor). Allerdings kann er die besagte Geschichte nicht erzählen, da er unterbrochen wird. Deshalb hier eine kurze Zusammenfassung: Freud beschrieb einen besonderen Fall der Traumanalyse. Nach langem Leiden stirbt ein Junge in seinem Krankenbett. Sein Vater stellt Kerzen auf und geht ins Nebenzimmer, um sich kurz auszuruhen. Er träumt davon, dass der Junge seinen Arm hält und sagt: „Vater, siehst du nicht, dass ich brenne?“

Darauf wacht der Vater auf und läuft ins Zimmer des Sohnes. Dort ist eine Kerze umgefallen und der Arm des Jungen steht in Flammen. Was das mit „Stay“ zu tun hat? Ihr werdet es sehen.

2005 schuf Regisseur Marc Forster einen Film, dessen Handlung so verworren ist, dass Freuds Geschichte sie wohl noch am besten beschreibt. So viel sei gesagt: Therapeut Sam Foster versucht den Kunststudenten Henry Letham (Ryan Gosling) von dem angekündigten Selbstmord abzuhalten. Seine Freundin, die Kunstlehrerin Lila Culpepper (Naomi Watts), hilft ihm dabei. Das Geschehen wird nach und nach immer undurchschaubarer – Sams gesamte Existenz wird in Frage gestellt. Wie die absurden Ereignisse und die einzelnen Personen zueinander in Beziehung stehen, wird erst am Ende des Films aufgelöst.

Neben der fesselnden Story ist die Kameraarbeit und das Editing besonders hervorzuheben. Diese passen nicht nur zum Kontext, sie schaffen erst die markante Skurrilität. Die außergewöhnlichen, prägnanten und überraschenden Schnitte, Schwenks, Zooms, Einstellungen du Perspektiven sind auf die Thematik ausgelegt und machen somit den Film aus.

Wer klassischen MindFuck wie „The Sixt Sense“, „The Machinist“ oder „Black Swan“ mag, wird wohl zu diesem visuellen Leckerbissen, der spannenden Handlung und den exzellenten Schauspielern nicht nein sagen können.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=L6GGsl6XUNU

Neuigkeiten in dieser Woche mit Bettina

Adele muß sich gegen Fake-Sextape wehren und Kettcar bringen eine Kurzfilm-Serie an den Start.
Die Simpsons treffen Julian Asange und im Film “Press, Pause, Play” setzen sich Filmemacher mit
der Auswirkung des Internets auf die Kultur auseinander.
Das sind die großen Themen der Woche.

Bettina stellt Euch in dieser Woche die neue Band “Blouse” aus Portland vor:

http://www.youtube.com/watch?v=bgN8EAqYfGc

Hier gibt es die Neuigkeiten von Bettina direkt aus Show:

http://www.youtube.com/watch?v=T3mo6EZCgKE

Hier geht es zu den Themen:

Die Simpsons besuchen Wiki-Leaks Erfinder Julian Asange

“Das ist doch Kinderprogramm” hört man selbst heute noch. Aber “Die Simpsons” haben Preise und Millionen, ja Milliarden, eingespielt. Und sie haben als spitze Satire das Fernsehen verändert. Jetzt feierte die gelbe Familie ihre 500. Folge. Mit dabei war Gaststar Julian Assange.
Quelle: Stern.de

Film "Press, Pause, Play" redet über die Beziheung des Internets mit der Kultur

Kulturelle Demokratie oder kultureller Durchschnitt? Emanzipativer Befreiungsschlag oder künstlerische Totalverflachung? Die neue Doku “Press Pause Play” beschäftigt sich mit der Frage, welche Richtung Kunst im digitalen Zeitalter einnimmt, in dem jede/r mit den kostengünstigsten Mitteln in der Lage ist, sich künstlerisch zu betätigen und per Mausklick die Möglichkeit hat, das eigene Schaffen weltweit unter Millionen zu verbreiten.

http://www.youtube.com/watch?v=MterbpYTyjM

Das ist gut. Und um den ganzen Schrott wieder auszusortieren, der sich dabei so zusammenhäuft, habt ihr ja unter anderem auch uns. Die Gebrüder Buzzter und Chai = gleich “Men At Work”.
Die Doku wurde von David Dworsky und Victor Köhler gedreht und lässt unter anderem Moby, Seth Godin, Robyn, Seth Parker, Hot Chip, Keith Harris und Bill Drummond zu Wort kommen.
Film bei Vimeo ansehen
Quelle: Film Homepage

Adele Sextape aufgetaucht

Wie die britische Zeitung The Sun meldet, hatte das französische Magazin Public in ihrer Ausgabe vom 18. Februar auf ihrem Cover ein Foto abgedruckt, das aus einem Sex-Video, bei dem auch Adele in Aktion tritt, stammen soll. Die Musikerin bestreitet je an einem solchen Film mitgewirkt zu haben und hat bereits ihre Anwälte eingeschaltet. In einem Statement dazu heißt es: „Wir haben davon Kenntnis genommen, dass das französische Magazin Public in ihrer heutigen Ausgabe Bilder veröffentlicht hat, die unsere Klientin in einem Sex-Video zeigen sollen. Unsere Klientin hat entgegen dem Artikel nie an einem Sex-Video mitgewirkt. Unsere Klientin ist nicht auf den Fotografien zu sehen. Die Behauptungen sind unwahr und erfüllen den Tatbestand der üblen Nachrede. Diesbezüglich erhebt unsere Klientin Anklage.“
Quelle: Promiflash

Kettcar bringen Kurzfilm-Serie

Die Hamburger Indie-Pop-Rocker von KETTCAR haben sich vorgenommen, jede Woche jeweils einen neuen Kurzfilm zu jedem der zwölf Tracks des am 10.02. anstehenden Albums “Zwischen den Runden” zu veröffentlichen.

http://www.youtube.com/watch?v=rdL4sRBZ-Hk

Den Anfang macht hierbei das Video zu “Schrilles, buntes Hamburg”, das ihr euch nachfolgend anschauen könnt, in den nächsten Wochen werden Kurzfilme zum Track “Erkenschwick” und der ersten Single “Im Club” folgen.
Quelle: In Your Face

Das sind die Schlagzeilen der Woche:

AUSTRA
COVERT FÜR DEN AUSTRALISCHEN RADIOSENDER ‘TRIPLE J’ DEN ROBYN-SONG ‘NONE OF DEM’. EINEN MITSCHNITT GIBT’S IM NETZ.
Quelle: ABC

BON IVER
PERFORMTEN IM OKTOBER IN LONDON SONGS DER ‘BLOOD BANK’-EP IN EINER 25-MINÜTIGEN PIANO-SESSION. JETZT KANN MAN DAS GANZE IM NETZEN SEHEN.
Quelle: JagJagUWar

BONNIE ‘PRINCE’ BILLY
BRINGT IM APRIL DAS BUCH ‘WILL OLDHAM ON BONNIE ‘PRINCE’ BILLY’ MIT GESRPÄCHEN ZWISCHEN OLDHAM UND HERAUSGEBER ALAN LICHT HERAUS.
Quelle: Faber

PUBLIC IMAGE LTD.
LASSEN NACH 20 JAHREN MIT ‘ONE DROP’ WIEDER EINEN SONG HÖREN. STREAM STEHT IM NETZ. IM MAI/JUNI KOMMT DAS ALBUM ‘THIS IS PIL’.
Quelle: Slicing Up Eyeballs

KRAFTWERK
WERDEN VOM 10. BIS 17. APRIL AM ‘MUSEUM FOR MODERN ART’ IN NEW YORK INSGESAMT ACHT STUDIOALBEN AN ACHT ABENDEN LIVE PERFORMEN.
Quelle: Moma

THE MAKE-UP
DIE SOUL-POST-PUNKER DER NEUNZIGER MELDEN SICH FÜR DAS ‘I’LL BE YOUR MIRROR’-FESTIVAL IN LONDON IM APRIL MIT EINER LIVE-REUNION ZURÜCK.
Quelle: ATP Festival

THE KILLS
HABEN FÜR DIE B-SEITE DER NEUEN SINGLE ‘THE LAST GOODBYE’ ‘PALE BLUE EYES’ VON ‘VELVET UNDERGROUND’ GECOVERT. ZU HÖREN BEI SOUNDCLOUD.
Quelle: Soundcloud

RADIOHEAD
GITARRIST COLIN GREENWOOD WIRD DEN DIESJÄHRIGEN ‘VIMEO AWARDS’ ALS JURYMITGLIED BEIWOHNEN. DER AWARD FINDET VOM 7. BIS 9. JUNI STATT.
Quelle: Tumblr

GARBAGE
LASSEN MIT AUSSCHNITTEN VOM SONG ‘I HATE LOVE’ EINEN ERSTEN SONG DES KOMMENDEN ALBUMS ‘NOT YOU KIND OF PEOPLE’ HÖREN.
Quelle: Band Homepage

MICHAEL DAVIS
IST AM FREITAG IM ALTER VON 68 JAHREN IN KALIFORNIEN GESTORBEN. DAVIS WAR SEIT DEN 60ERN BASSIST DER ROCKBAND MC5.
Quelle: NME

Redaktion: Bettina Ballhause, Sven Springer, Babette Conrady, Giovanni Zeitz, Maurice Gajda

„It’s time to wake up and be a man.“..  

..verkündet ein  Brief, den der verlotterte aber talentierte Literaturstudent Jarle Klepp (Rolf Kristian Larsen) von einer jungen Frau erhält, mit der er vor ungefähr 8 Jahren einen One-Night-Stand hatte. Diese wurde damals schwanger, ohne Jarle etwas davon zu erzählen. Die Tatsache, dass er plötzlich ein Kind hat, ändert Jarles Leben grundlegend.

Völlig überfordert muss er nun eine ganze Woche auf seine Tochter Charlotte Isabel (Amina Eleonora Bergrem) aufpassen. Das gestaltet sich schwierig – vor allem weil Jarle sein von Partys, Alkohol und Sex geprägtes Studentenleben auf keinen Fall aufgeben möchte. Seine wichtigste Aufgabe besteht darin, eine Geburtstagsfeier für Lotte zu organisieren. Nebenbei muss er einen Artikel für die Lokalzeitung verfassen und seine On/Off-Beziehung regeln – Situationskomik ist also quasi vorprogrammiert. Ohne jegliches Feingefühl versucht Jarle, dem kleinen Mädchen seinen Lebensstil aufzuzwingen und merkt dabei nicht, dass Lotte sein Dasein viel mehr dominiert als er glauben möchte.

Auffällig ist das herrliche Schauspiel, das dem Zuschauer präsentiert wird. Mancher halbgare Hollywoodstar könnte sich von der Darbietung der norwegischen Akteure ein paar Scheiben abschneiden. Rolf Kristian Larsen ist in der Rolle von Jarle ein vollkommen glaubwürdiger Student, der seine Fähigkeiten und seine Intelligenz selbst unterschätzt und an der neuen Lebenssituation verzweifelt. Amina Eleonora Bergrem verkörpert den ungewollten Überraschungsgast namens Charlotte Isabel dermaßen bezaubernd, unschuldig und gleichzeitig so diszipliniert, dass man nur Bewunderung zollen kann. Auch alle anderen Charaktere werden wunderbar gespielt und passen tadellos in das Gefüge des Films, zu dem es übrigens eine Vorgeschichte mit selben Figuren gibt. „Der Mann, der Yngve liebte“ (Mannen som elsket Yngve) ist zwar thematisch und stimmungsmäßig „Ich reise allein“ so gar nicht ähnlich, jedoch nicht minder empfehlenswert.

Regisseur-Newcomer Stian Kristiansen schafft das, was Viele versuchen: eine Projektion des realen Lebens auf Leinwand zu bannen. Authentisch, charmant, zuckersüß und rührend. Ein perfekter Sonntagabendfilm á la Garden State.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=dGbGjSMCW78

„I could have been a Schopenhauer… a Dostoyevsky!“..

..lautet ein Satz aus Tschechows Stück „Onkel Wanja“, über den der entmutigte Schauspieler Paul Giamatti (Paul Giamatti) immer wieder stolpert. Er ist davon überzeugt, dass seine Gefühlswelt die Bühnenkarriere bedroht und trifft die radikale Entscheidung, seine Seele mit modernster Technik entnehmen zu lassen.

Das macht nicht nur den Kollegen sondern vor allem seiner Frau zu schaffen. Zeitgleich besorgt sich in Russland eine Verbrecherbande illegal Menschenseelen, um sie verfälscht und willkürlich weiterzuverkaufen. Es kommt, wie es kommen muss: Pauls Seele wird von dem Bandenmitglied Nina (Dina Korzun) gestohlen und einem russischen Soapsternchen mit mangelndem Talent implantiert. Paul beschließt, die Seele auf eigene Hand wiederzubeschaffen. Nina, die seine Schauspielkunst inzwischen kennen und lieben gelernt hat, zeigt Reue und hilft ihm dabei. Doch auch sie ist bereits durch Seelentransplantationen vorbelastet.

Sophie Barthes und Andrij Parekh präsentieren in dem 2009 erschienen Drama „Cold Souls“ auf eine angenehm simple Weise eine der wohl interessantesten Thematiken der Menschheit: die Frage nach dem, was eine Person einzigartig macht. Ist ein Mensch ohne Seele bloß eine leere Hülle? Würden ohne Seele unsere emotionalen Probleme schwinden und würden wir sie deshalb freiwillig weggeben? Diese und weitere Fragen werden in „Cold Souls“ aufgeworfen.

Der Film erinnert vereinzelt sehr an „Being John Malkovich“. Zum einen wegen der düsteren Stilmittel, der tragisch komischen Geschehnisse – vor allem aber weil der Hauptcharakter seinen realen Namen trägt und sich die Handlung dadurch in die Realität zu übertragen versucht.

Die Darstellung der korrupten russischen Betrüger ist eher klischeebehaftet: gefühlskalte, laute Businessmänner mit starkem Akzent. Die dunklen Machenschaften würden sich aber wohl in der Realität so ähnlich abspielen – wenn nicht in Russland, dann in einem anderen Land. Charmant ist die Darbietung von Paul Giamatti, der ganz und gar in seiner Unsicherheit, seiner Frustration und dem gesamten Lebensdilemma aufgeht. Mindestens genau so ansprechend ist der Filmsoundtrack, der zwar melancholisch und bewegend ist, ohne jedoch völlig gefühlsduselig und schnulzig daherzukommen.

Besonders sehenswert für diejenigen, die Charlie Kaufman Filme („Adaption“, „Synecdoche, New York“ etc.) mögen. Prädikat: gut fürs Seelenheil.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=-gn_IMwQ6ss

„I don’t know what to say!“..

..faucht Nancy Cowan (Kate Winslet) in die Kamera und lügt dem Zuschauer somit ins Gesicht. Mit seinem aktuellen Film „Carnage“ (zu deutsch: „Gott des Gemetzels“) liefert Roman Polanski ein hollywooduntypisch kontroverses, aufreibendes und eigensinniges Wortgefecht ab.

Man mag von dem umstrittenen Filmemacher halten, was wann will – eins kann man nicht abstreiten: seine Regiearbeit ist stets eigen und imposant. Alle vorurteilbehafteten Zuschauer sollten ihre Vorbehalte für eine Weile ablegen und sich vom verbalen Krieg überzeugen lassen.

Die Story ist simpel und eher sekundär – das, was im Gedächtnis bleibt, ist das bunte Dialogfeuerwerk, das unerwartet gezündet und im Sekundentakt abgefeuert wird. Dabei gibt es keine Seite, auf die man sich schlagen könnte – es herrscht anarchistische Konfusion. „Jeder gegen jeden“ könnte das Motto des Streitgesprächs lauten. Die Aussagen sind dabei so mehrdeutig und umfangreich, dass die Konversation nach und nach ein Eigenleben entwickelt und im wortreichen Feldzug gipfelt.

„Carnage“ ist eigentlich ein Theaterstück. Das wird auch im Film deutlich: über eine Stunde lang unterhalten sich vier Menschen in einem Zimmer. Für Manche wird das wahrscheinlich nicht genug sein. Kein Blut, keine nackten Tatsachen und keine großen Romanzen – nur Worte. Jedoch sind diese so gut gewählt, getimt, authentisch und so schön unpassend, dass man gezwungenermaßen gebannt zuhört und auf den nächsten Streitpunkt wartet.

Zur Besetzung kann man Folgendes sagen: John C. Reilly (als Michael Longsteet) hält sich leider im gesamten Filmverlauf eher zurück. Von ihm ist man eigentlich Besseres gewöhnt. Jodie Foster (als Penelope Longstreet) und Kate Winslet (als Nancy Cowan) wurden bereits für verschiedene Awards nominiert – teilweise gehen sie gegeneinander ins Rennen. Erstaunlich ist jedoch, das Christoph Waltz‘ (als Alan Cowan) Leistung bislang noch nirgends honoriert wurde. Jeder, der ihn für etwas übergehyped hielt (wie beispielsweise meine Wenigkeit), wird positiv überrascht sein. Der deutsche Darsteller läuft mit seiner Darbietung seinen amerikanischen Kollegen den Rang ab. Waltz hat nicht nur eine unausstehliche Rolle – er ist die Antipathie in Person und das mit so viel Sarkasmus und Desinteresse, dass er fast wieder liebenswürdig wirkt.

Sozialverhalten? Zivilisiertes Bürgertum? Regeln und Normen? Ethik und Moral? Vergesst es. Was man zu sehen bekommt, ist im Grude eine Gesellschaftssatire ohne Hemmungen. Geeignet für jeden Liebhaber des gepflegten Zynismus.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=5YAjUqsal-Q

„Are you a dreamer?“..

..fragt ein Fremder den ebenfalls unbenannten Hauptprotagonisten (Wiley Wiggins). Ja, ist er – und das ist sein größtes Problem. Regisseur Richard Linklater porträtiert in dem 2001 erschienen Film „Waking Life“ einen jungen Mann, der es partout nicht schafft, aus einem Traum aufzuwachen.

Es gibt eine Handvoll Filme, die das Publikum aufgrund ihrer Einzigartigkeit nicht mehr loslassen. „Waking Life“ gehört aus mehreren Gründen dazu.

Angefangen damit, dass im gesamten Verlauf der Geschichte keinerlei Hintergrundinformationen zu den dargestellten Charakteren geliefert werden. Weder Name noch Herkunft oder Eigenschaften werden beleuchtet. Alle Protagonisten tauchen als unbekannte Gestalten aus dem Nichts auf und verschwinden wieder dorthin. Dieser Aspekt des Unwissens fesselt das Publikum und bietet viel Platz für Interpretationen.

Die Machart zeichnet den Spielfilm ebenfalls aus. Einen Traum filmisch umzusetzen, ist eine Herausforderung, die Fingerspitzengefühl und Einfallsreichtum erfordert. Linklater verwendet hierfür etliche außergewöhnliche Stilmittel und Elemente. Neben der atmosphärischen Optik, ist auch die Narrationsstruktur auffällig – die Szenen scheinen sich ohne erkennbaren Bezug aneinanderzureihen. Das Gefüge wird nur von der Hauptthematik des Films gestützt. Der Zuschauer hat vielmehr das Gefühl, ein Kunstwerk zu betrachten. Somit wird „Waking Life“ zu einem Filmerlebnis der besonderen Art.

So fesselnd wie die Story ist auch die Filmmusik. Ein eigens dafür verantwortliches Orchester gestaltet den Soundtrack ergreifend und mitreißend und sorgt somit für eine energische und abwechslungsreiche Untermalung der Szenen. Die einzelnen Stücke sind scheinbar wirr und chaotisch und passen aufgrund dieser Unruhe exakt in den Kontext von „Waking Life“.

Doch der wohl interessanteste Aspekt an dem Film sind die Philosophien, die nach und nach vermittelt werden. Da werden in Debatten, Argumentationen und Monologen pausenlos Weltanschauungen, Ideologien, Lebensweisheiten und individuelle Ansichten offenbart und diskutiert, bis der Zuschauer sich in den Ausführungen verliert. Dieser enorme Input sorgt dafür, dass ein jeder das Leben und das eigene Selbst zwangsläufig zu reflektieren versucht. Ein Film, der dermaßen zum Nachdenken und Austauschen anregt, ist durchaus eine Rarität.

Alles in allem ist „Waking Life“ ein gutes Beispiel dafür, dass man nicht jeden Film in eine (Genre-)Schublade schieben kann und muss. Faszinierend für alle Träumer und die, die es noch werden wollen.

Hir gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=LCi5O3pzRYw

„Look! We’re inside a robot’s vagina!“..

..sagt Dean (Ryan Gosling) zu seiner Frau Cindy (Michelle Williams) als sie eine Themensuite des Motto-Hotels am Valentinstag betreten. Das „Zukunfts-“ Appartement wirkt kalt, hart, erdrückend und unbehaglich. Fast so, als hätten die Einrichter geahnt, in welche Richtung sich die Beziehung des jungen Ehepaares entwickeln würde.

Das gängige Muster eines Liebesfilms ist simpel: Junge trifft Mädchen (oder andersrum). Junge tut alles, um das Mädchen für sich zu gewinnen. Gemeinsam trotzen sie allen Widrigkeiten und sind letztendlich glücklich vereint. Doch was geschieht anschließend – wenn die anfänglichen Gefühle langsam verblassen und das Paar sich auseinander entwickelt? Wenn das Zusammensein kein Privileg mehr ist sondern nur noch eine lästige Pflicht? Dieser Frage geht der noch eher unbekannte Regisseur Derek Cianfrance in seinem 2010 erschienen Drama „Blue Valentine“ nach.

Passend zur Grundstimmung des Films wird das Ganze im tristen Vorort von New York inszeniert. Zu sehen sind zwei junge Menschen, deren Umgang miteinander die Frage aufwirft, wie sie überhaupt zueinander finden konnten und wieso sie sich diesem alltäglichen Leid aussetzen. Durch den gekonnten Einsatz von Parallelmontage wird jedoch im weiteren Verlauf die ganze Geschichte von Dean und Cindy offenbart. Von der zufälligen Begegnung, über zarte Annäherungsversuche und späteren innigen Zusammenhalt, bis hin zur kleinen romantischen Hochzeitszeremonie werden alle bedeutenden Etappen der Beziehung geschildert ohne dabei in Belanglosigkeit abzuschweifen. Durch den ständigen Wechsel von unterkühlter Gegenwart zu liebevoller Vergangenheit, möchte man die Hauptprotagonisten fast vor dem Unglück und Schmerz warnen, der sie erwartet. Doch ihre anfängliche Liebe ist so unschuldig und makellos, dass man einfach gern zusieht und insgeheim auf ein Happy End hofft.

Die Idee, zwischen den beiden Handlungssträngen tatsächlich eine jahrelange Drehpause einzulegen, um so eine noch realistischere Darstellung zu gewährleisten, musste Cianfrance aus finanziellen Gründen verwerfen. Dessen ungeachtet laufen Gosling und Williams in „Blue Valentine“ zur Höchstform auf und brillieren als selten überzeugendes Paar der Filmgeschichte. Vereinzelt ähnelt ihre psychologische Kriegsführung sogar dem kongenialen Schauspiel von Richard Burton und Liz Taylor in „Wer hat Angst vor Virginia Woolf?“.

Insgesamt ist „Blue Valentine“ also ein Film, der dem Zuschauer durchaus etwas abverlangt und einen bittersüßen Beigeschmack hinterlässt. Ein Muss für alle, die am Ende von „Before Sunrise“ und „Before Sunset“ den Atem anhielten.

Hier gibt es den Trailer zum Film:

http://www.youtube.com/watch?v=sYgr_iGATB4

In dieser Woche präsentiert Euch Bettina die Neuigkeiten

Filme von Bonaparte und Phoenix, Worte in Schirft und eine Weichnachstplatte vom Editors Sänger?
10 Minuten Neuigkeiten in der Show reichen Euch nicht?
Alle Schlagzeilen und unsere Quellen gibt es nochmal zum Nachlesen hier im Blog.
Außerdem bekommt Ihr weitere Infos, Videos und Links zu unseren Schlagzeilen.
Ab geht’s…

In dieser Woche stellen wir Euch die Dänin “Oh Land” vor:

http://www.youtube.com/watch?v=drEcpwn6zCk

Bettinas Neuigkeiten aus der Show:

http://www.youtube.com/watch?v=ijNumFAKlFU

Bonaparte mir erstem Konzertfilm

Die verrückte Kombo um den schweizerischen Wahl-Berliner Tobias Lund veröffentlicht nun
den ersten Konzertfilm. 0110111 (Quantum Physics & A Horseshoe) wird der Film heißen.
Legendär sind ihre Live-Gigs, da war ein spannender Konzertfilm nur eine Frage der Zeit.
Hier seht ihr den Trailer zum Streifen, der demnächst im Berliner Babylon-Kino Premiere feiert.

http://www.youtube.com/watch?v=V623FEHJMtk

Auch Phoenix sind im Film zu sehen

Am 31. Januar 2010 gewann die Band für ihr Album “Wolfgang Amadeus Phoenix” den auf dem Gebiet der Musik mit dem Oscar vergleichbaren Grammy Award in der Kategorie “Best Alternative Rock Album”. Seitdem gewinnt sie immer weitere Publikumskreise für sich.
Wie konnte eine kleine französische Band, die an die “French Touch”-Bewegung vom Ende der 90er Jahre anknüpft, in wenigen Jahren ein so großes Publikum erobern und bei der weltweit bedeutendsten Musikpreisverleihung sogar Größen wie David Byrne und Brian Eno, Death Cab for Cutie, Depeche Mode und die Yeah Yeah Yeahs ausstechen?
Den Link zum Film in der Arte – Mediathek gibt es hier: Klick

Weihnachts-Album von Smith & Burrows

Es ist zwar erst Mitte Oktober, trotzdem finden wir schon Lebkuchen im Supermarkt-Regal. Warum also nicht gleich auch ein Weihnachtsalbum ankündigen? Dachten sich Editors-Frontmann Tom Smith und Razorlights ehemaliger Schlagzeuger Andy Burrows. Gemeinsam nennen sie sich, wer hätte das gedacht, Smith & Burrows und bringen ab Ende November Winter-Zimt-Kerzen-Tracks auf die Plattenteller. Vielleicht auch weniger kitschig und nicht in Mariah-Carey-Manier, Vorreiter der Platte gibt es bisher nur einen zu hören, den man auch unten aufgeführt downloaden kann (einfach klicken). Verraten hat das Duo allerdings schon, dass sich darauf Cover befinden, und zwar Yazoos “Only You”, The Longpigs “On And On” und “The Christmas Song”, bei dem auch die dänische Popsängerin Agnes Obel mitwirkt. Die bekannteste Version von “The Christmas Song” kennt man wohl von Nat King Cole. Na dann kann in der Adventszeit ja nichts mehr schief gehen!
Mehr erfahrt Ihr bei Visions

Aus Worte werden Phrasen und Bilder

Die Sache ist einfach, Ihr sendet ein paar Worte oder Phrasen an “The Phraseology Project”
und die Typen machen daraus dann so schicke Schriftbilder wie dieses:

Nur eines von vielen Bildern

Mehr davon gibt es hier

Das sind die Schlagzeilen der Woche:

SONIC YOUTH
GITARRIST THURSTON MOORE UND BASSISTIN KIM GORDON HABEN SICH SCHEIDEN LASSEN. SIE WAREN SEIT 27 JAHREN VERHEIRATET.
Quelle: Pitchfork

METRIC
ARBEITEN ZUSAMMEN MIT FILMKOMPONIST HOWARD SHORE AM SOUNDTRACK FÜR DAVID CRONENBERGS NEUESTEN FILM ‘COSMOPOLIS’.
Quelle: Band Homepage

JARVIS COCKER
ÜBERNIMMT EINE BERATENDE FUNKTION BEIM VERLAG ‘FABER & FABER’. DER VERLAG PUBLIZIERT AUCH COCKERS BUCH-DEBUT ‘MOTHER, BROTHER, LOVER’.
Quelle: Guardian

TELEVISION PERSONALITIES

David Traecy

SÄNGER DANIEL TREACY IST WEGEN EINER SCHWEREN KOPFVERLETZUNG IN EINEM LONDONER HOSPITAL. ER LAG 48 STUNDEN IM KÜNSTLICHEN KOMA.
Quelle: NME

THE STONE ROSES
SOLLEN SICH GERÜCHTEHALBER IN ORIGINALBESETZUNG WIEDER ZUSAMMEN TUN UND IM NÄCHSTEN JAHR EINE REIHE VON REUNION-SHOWS GEBEN.
Quelle: The Sun

SMASHING PUMPKINS
CHEF BILLY CORGAN GRÜNDET DIE PRO-WRESTLING-FIRMA ‘RESISTANCE PRO’. DIE ERSTE SHOW FINDET AM 25.11. IM CHICAGOER ‘EXCALIBUR’ STATT.
Quelle: My Fox

RADIOHEAD
GEHEN IM DEZEMBER IN IHR STUDIO IN OXFORD, UM NEUES MATERIAL AUFZUNEHMEN. DAS VERRIET THOM YORKE IM ‘ROLLING STONE’-INTERVIEW.
Quelle: The Rolling Stone

APPARAT
HAT IN EINEM KURZEN VIDEO FÜR DIE ‘SPEX’ DEN ENTSTEHUNGSPROZESS SEINES LETZTEN ALBUMS ‘THE DEVIL’S WALK’ DOKUMENTIERT.
Quelle: Vimeo

YOUTH GROUP
WOLLEN SICH NACH EINER DREIJÄHRIGEN PAUSE 2012 WIEDER LIVE SPIELEN. DRUMMER LEE ALLEN SITZT DERZEIT AUCH BEI ‘THE DRUMS’ AM SCHLAGZEUG.
Quelle: ABC Australia

M83
STELLEN IHR NEUES ALBUM ‘HURRY UP, WE’RE DREAMING’ (VÖ: 18.10.) BEI ‘URBAN OUTFITTERS’ IM KOMPLETT-STREAM VOR.
Quelle: Urban Outfiters

BURIAL
HAT GEMEINSAM MIT ‘MASSIVE ATTACK’ DIE EP ‘FOUR WALLS’ PRODUZIERT. DIE A-SEITE DER LIMITIERTEN PLATTE GIBT’S IM NETZ ZU HÖREN.

http://www.youtube.com/watch?v=VisKkedFZjw

MIKA MIKO
GESCHWISTER JESSICA & JENNIFER CLAVIN HABEN DIE NEUE BAND ‘BLEACHED’ GEGRÜNDET UND KOMMEN AM 06.12. MIT IHRER DEBUT-SINGLE HERAUS.
Quelle: Spin

Redaktion: Bettina Ballhause, Sven Springer, Maurice Gajda, Frank Richter, Torsten Porstmann

Moviemashup by Jeff Yorkes

Eine wunderbare Entdeckung für Musik – und Filmliebende dürften die Mash-Ups von Jeff Yorkes sein, in welchen er audiovisuelle Standartwerke der Popkultur mit meist lyrisch unglaublich treffenden Musikstücken unterlegt. Der passende Schnitt und die differenzierte atmosphärische Einordnung dieser von der Idee eigentlich simplen Mash-Ups haben hierbei eine ganz eigene und frische Wirkung.

Die letzten paar Tage kann ich mich als Cineast an dieser schönen Umsetzung erfreuen und so möchte ich auch euch an ein paar Highlights aus Yorkes schon recht großer Sammlung an Clips teilhaben lassen.

Paul Thomas Anderson’s “There Will Be Blood” meets “Slide Some Oil to Me” from “The Wiz.”

http://www.youtube.com/watch?v=4g9CAX9yHag

Mike Nichols’ “The Graduate” meets “Strange Design” by Phish

http://www.youtube.com/watch?v=QVfpzSNDGGw

Kubrick’s “2001″ meets “Fantastic” by Mellow

http://www.youtube.com/watch?v=dqVdd0NOMIs

The Beastie Boys “Sabotage”  meets Alan J. Pakula’s “Die Unbestechlichen”

http://www.youtube.com/watch?v=pDvD1tbPfiA

Weitere Mash-Ups von Jeff Yorkes findet ihr auf seinem abendfüllenden Vimeo-Channel, right here: Jeff Yorkes

Es gibt ja bekanntlich Filme und es gibt Filme. Es gibt Erwartungen und es gibt Erfahrungen. Es gibt dreiminütige Trailer und es gibt 150-minütige Filme. Es gibt Regisseure und es gibt Drehbuchautoren.

Sucker Punch musste (oder konnte?) sich mit großen Erwartungen messen. Die „Nerd“-Gemeinde, die sich Filmemacher ja in letzter Zeit bekanntlich immer öfter als Zielgruppe auswählen, kann sich ja eigentlich nicht beklagen. „Kick-Ass“ und „Scott Pilgrim“ waren unterhaltsame Filme, die, aus meiner Perspektive natürlich nicht authentisch einschätzbar, aber auch auf Nicht-Mitglieder der Subkultur einen gewissen Charme wirken ließen. Jetzt ist da ein Trailer, in dem hübsche, junge, leichtbekleidete Mädels gegen Robotersamurai mit Gatling-Guns, Helghast-Nazi Crossover und Drachen kämpfen. Traurig eigentlich, dass das bei einer Zielgruppe, zu der ich mich ja nun auch zähle, ausreicht, um hohe Erwartungen an einen Film zu haben. Zu unserer Verteidigung muss aber auch gesagt werden, dass einem sehr deutlich zu verstehen gegeben wird, dass dieser Film von Zack Snyder ist, der ja auch „300“ und „Watchmen“ gemacht hat. Das Zack Snyder allerdings nur der Visionär ist, zu dem ihn besagte Filme gemacht haben, wenn ihm jemand ein gut geschriebenes Drehbuch auf den Schreibtisch legt, beweist „Sucker Punch“ noch mehr als „Die Legende der Wächter“.

http://www.youtube.com/watch?v=6dzikBZTUy8

Kurz zur Geschichte: Babydoll (Emily Browning) und ihre Schwester haben viel Geld von ihrer Mutter geerbt, das findet der Vater nicht so gut und betrinkt sich. Volltrunken will er sich an Babydolls Schwester vergehen. Um ihre Schwester zu retten, schnappt sich Babydoll die Pistole ihres Vaters und erschießt dabei versehentlich ihre eigene Schwester. Der Vater bringt sie daraufhin in eine Nervenheilanstalt und besticht den Direktor der Klinik ihr eine Lobotomie (Gehirnoperation) zu verpassen, die sie für immer verstummen lässt. In den 5 Tagen bis zur Ankunft des Arztes, schweift Babydoll in eine Phantasiewelt ab, in der sie 5 Gegenstände finden muss, um zu fliehen. Um an die Gegenstände zu kommen, muss sie dabei gegen Robotersamurai, Deutsche Soldaten-Roboter, Roboter und Drachen kämpfen.

Warum sollt ihr also nicht in „Sucker Punch“ gehen. Weil hier der Name (Sucker Punch – hinterhältiger Schlag ins Gesicht) Programm ist. Ursprünglich wurde der Name wahrscheinlich gewählt weil der Film den ahnungslosen Zuschauer mit all seinem Einfallsreichtum, seiner Coolheit, Bildgewalt und audiovisuellen Darbietung wie ein Schlag ins Gesicht treffen sollte. Nun ist es genau umgedreht. Der erwartungsvolle Zuschauer wird mit einem Schwall von zusammenhangslosen Klischees, Pseudo-Erotik und langweiligen CGI-Effekten überwältigt. So stark, das man nach dem wirklich denkt, jemand hat einem ins Gesicht geschlagen – weil es stellenweise wirklich wehtut, sich diesen Film anzusehen.Dieser Film ist unangenehm. Und dabei wird keiner eurer Sinne geschont.

Die Augen: Fangen wir mal langsam an. Die Schauspieler sind grauenhaft. Allen voran Abbie Cornish, die die Rolle der Sweat Pea spielt. Wenn sie ihren Mädels erklärt, dass sie sich mit dem Fluchtplan aus der Irrenanstalt / Puff in Lebensgefahr bringen, erinnert das schon stark an Schülertheater. Kaum weniger lächerlich sind allerdings auch Pro- und Antagonist. Emily Browning als „Babydoll“ geht einem mit ihrem unschuldigen-verletzlichen und immer gleichen Blick schon nach einer halben Stunde auf die Nerven und der Direktor der Anstalt wirkt wie ein schlecht gelaunter Clown auf einem Kindergeburtstag. Selbst die Actionszenen, die den zeitlichen und intentionalen Großteil des Films ausmachen, sind so generisch und uninspiriert, dass man sich freut, wenn sie wieder vorbei sind. Mal ein kleiner Tipp von meiner Seite: Wenn in einem Raum 30 Roboter stehen, wäre es visuell-dramaturgisch besser, nicht bei jedem einzelnen Roboter-Tod eine Zeitlupe zu verwenden…

Die Ohren: Den Sound von „Sucker Punch“ fand ich schrecklich. Der Soundtrack beinhaltet zwar einige gute Songs, diese gehen aber in dem Meer von 08/15-Liedern unter, die in so ziemlich jeder Szene eingespielt werden. Sei es im Kampf, während den Dialogen oder auch nur wenn Babydoll den Boden schrubbt. Tarantino benutzt ja schon proportional viele Lieder mit Vocals, Snyder geht aber noch einen Schritt weiter (beziehungsweise 100 Schritte abwärts) und ballert den Film so mit Emo-Musik voll, dass er aussieht, wie ein Fragvideo auf Youtube. Dazu kommt noch eine außerordentlich schlechte Tonmischung und eine nahezu lächerlich offensichtliche Nachvertonung.

Carla Gugino war auch schon bei Watchmen dabei

Das Gehirn: Hier tut es am meisten weh. Bis zu dem Punkt an dem sie in die Klapse eingeliefert wird, hätte man aus dem Film sogar noch was machen können. Die Anfangsszene im Elternhaus ist die einzige, die so etwas wie Emotionen transportiert. Spätestens wenn die Klinik  zum Freudenhaus mutiert, geht allerdings alles den Bach runter. Ob, und wenn, dann warum sie sich vorstellt, die Klinik wäre ein Moulin-Rouge Verschnitt mit Happy End, wurde mir nicht wirklich klar. Hat Babydoll wenigstens den Hauch einer Vorgeschichte, werden ihre weiblichen Gefährtinnen überhaupt nicht charakterisiert. Achja doch, Sweat Pea muss irgendwie zu ihrer Mutter zurück. Jedes der Mädchen muss einen Tanz einstudieren und wenn Babydoll tanzt ist das so schön, dass alle Zuschauer in eine Art Trance fallen – süß oder? Beim tanzen entschweift Babydoll nämlich in ihre Phantasiewelt mit Drachen, Samurais und Robotern.

Selbst hier macht der Film allerdings keinen Sinn. Die Actionszenen währen vielleicht sogar ein kleines bisschen spannend, wenn man das Gefühl hätte, die Mädels wären zu irgendeinem Zeitpunkt in Gefahr. Soldaten die deutschen Soldaten-Zombie-Roboter (das Szenario beschreibt den ersten Weltkrieg) sind anscheinend so pazifistisch veranlagt, dass sie die Mädels partout nicht töten sondern nur mit ihren Waffen bedrohen wollen. Da wird dann eben solange gewartet und auf die am Boden liegende Schulmädchen-Domina gezielt, bis eine ihrer Freundinnen kommt und die Soldaten mit ohrenbetäubendem Gekreische von ihrem untoten Leben als Dampfmaschine erlöst. Ja die Nazis sind Dampfmaschinen. So kann man nämlich vermeiden, dass Blut spritzt und der Film nicht für 12-Jährige freigegeben wird, von denen Zack Snyder anscheinend denkt, dass sie dämlich genug sind, um diesen Film gut zu finden. Stattdessen dampfen die leblosen Körper dann also ein bisschen. Immer noch besser als bei Twilight, wo haufenweise Gliedmaßen abgerissen werden, ohne das auch nur ein Tropfen Blut spritzt. Seit dem wissen wir ja, wer im Schaufenster immer die Klamotten anziehen muss. Das sind Vampire!

Ich könnte jetzt noch eine halbe Ewigkeit über alles herziehen, was in diesem Film keinen Sinn macht aber natürlich könnte man argumentieren, dass es wohl kaum der Anspruch von „Sucker Punch“ ist, einen Sinn zu haben. Leider hat er allerdings auch nichts anderes. Keine Charaktere, keine Action, keine Optik, keinen Sound und keine Erotik. Zumindest nicht im positiven Sinne. Spart euch diesen Film, er ist es nicht wert. Manchmal sieht man schlechte Filme und kann darüber lachen, hier schämt man sich einfach nur. Und wenn ihr Mädels unter den Rock gucken wollt, geht lieber ins Ballett.

Die Notwendigkeit von “Filmszenen” innerhalb eines Spiels kann also bestritten werden, denn das Spiel hat sich mit stetiger Entwicklung eigenständig gemacht und wird in Zukunft das interaktive Element in die Inszenierung integrieren können und müssen.

Nichtsdestotrotz wurden (und werden) auf dem Weg dorthin Einführungen  in die Geschichte und das Szenario eines digitalen Spiels kreiert, die für immer einen Platz im Herzen des gemeinen emotionalen Spielers haben werden.

Folgende 6 Intros haben meine Wenigkeit im Laufe der eigenen kulturellen Laufbahn begleitet, inspiriert und gefesselt.

Die Auswahl war denkbar schwer, bei so Vielem was man gesehen und genossen hat, doch kann ich diese Top 6 in gegebenem Fall ja auch noch zu einer Top 12 erweitern, je nachdem wie sehr ich mich ärgere hier Meilensteine vergessen zu haben. Doch nun zu den ersten Einfällen.

6. Soul Reaver (PS;1999)

http://www.youtube.com/watch?v=lFiLNc46jAM

“Soul Reaver” war eines der Spiele, die ich selbst nie besaß, aber dennoch gefesselt vor dem Bildschirm meines besten Freundes hockte, um die düstere Atmosphäre und die für damalige Verhältnise herausragende Grafik genießen zu können. Die beiden Hauptcharaktere Rahziel und Kain werden in ihrem Hass aufeinander  in diesem eher ruhig gehaltenen Vorspann bestens eingeführt. Beide haben in der “Soul Reaver” bzw. “Legacy of Kain”-Reihe ihre fulminanten Auftritte und Dieser war ihr erster Gemeinsamer.  

5. Half Life (PC;1999)

http://www.youtube.com/watch?v=qUDNiyOf92o

Das Intro zu Half Life ist keine Filmsequenz, dennoch eine der intensivsten und aufregendsten Einführungen der Videospielgeschichte. Die Neugierde auf das wohl Kommende steigt von Minute zu Minute und die Fahrt durch die vielen Locations, die man im Laufe des Spiels noch einmal in einer anderen Form wiedersehen wird ist einmalig. Abgesehen davon, kann man den ersten Blickkontakt mit dem G-Man aufnehmen, einer der kryptischsten Figuren in der Historie der Bösewichte, oder eben Verbündeter, was immer er ist.

4. Day Of The Tentacle (PC;1993)

http://www.youtube.com/watch?v=0HaYZsc66Bk

Das älteste Spiel auf dieser Liste war ein absoluter Pionier in Sachen Komik, Inszenierung, Grafik, Stil, Rätseln und einfach Allem, was ein exzellentes Adventure eben noch so ausmacht. Diese Intro bringt uns zurück zu Bernard und seinen Freunden, welche einem genial größenwahnsinnigen purpurnen Tentakel versuchen das Handwerk zu legen. Diese Intro stimmt auf alles Großartige ein, was dieses Spiel zu bieten hat. Hail to the Past!

3.  Fallout 2 (PC;1998)

http://www.youtube.com/watch?v=5hpBYTtCDLk

Die wunderbare und kontrastierende Wirkung von Louis Armstrongs Stimme gepaart mit dem amerkanischen Stil der 50er Jahre und düstere Prognosen der Zukunft unserer Welt. Die Black Isle Studios (Heute teils Bioware) haben nicht nur großartige Spiele wie “Baldurs Gate” oder eben  “Fallout” und auch Planscape Torment (Ebenfalls großartiges Intro) kreiert, sondern konnten auch wie fast kein anderes Entwicklerstudio Stimmungen und Bilder einfangen. Ein Spiel mitsamt Sequenzen, das ich aufgrund seines erwachsenen Auftretens und seiner Möglichkeiten nicht vergessen werde.

2. Final Fantasy VIII (PS;1998)

http://www.youtube.com/watch?v=i2LCSzmjPj8

Mit Teil 7 das beste Final Fantasy was jemals erschaffen wurde vereint Liebe, Verrat und ausufernde, zum Teil kitschige Epik. Ich kann nichts anderes zu diesem Intro sagen, als das  ich immer noch jedes verdammte Mal eine Gänsehaut bekomme, wenn die Perspektive anfängt über das Meer zu fahren und “Liberi Fatali” vom Großmeister der Videospielmusik Nobou Uematsu an Tempo gewinnt. 3:15, die sich ins Herz brennen.

1. Bioshock (PC;2007)

http://www.youtube.com/watch?v=_XBBFok1mUY

Wie auch Half Life ein interaktives Intro, doch vor allem der Monolog von Andrew Ryan und der erste Blick auf die Unterwasserstadt Rapture machen dieses Intro in das Szenario eines Videospiels zu dem vlt. Besten, was ich bislang gesehen habe. Natürlich gibt es noch so viel mehr da draußen, so dass ich diese Aussage nur in diesem Augenblick treffen kann. Doch Raptures Vorstellung war außergewöhnlich.

Die Welt geht unter und alle schauen zu

Es gibt Filme, die sieht man im Fernsehen.

Es gibt Filme, die schaut man auf DVD und es gibt Filme, die muss man auf einer großen Kinoleinwand sehen (Hoffentlich bald überall in 3D).

Roland Emmerichs neues Zerstörungsepos „2012“ ist definitiv so ein Film!

Ohne wirklich Viel vorweg zu nehmen ist klar: Am Ende ist alles kaputt!
Also die Erde!
Schade ums „Weiße Haus“ und den „Strip“ in Las Vegas, aber zu einem richtigen Weltuntergangsfilm gehört es Abschied zu nehmen.

http://www.youtube.com/watch?v=hN7PgpbGI8Y

Und ein wenig Berieselung ist so ein Film ja auch, besonders am Wochenende, oder?

Und ein wenig Berieselung ist so ein Film ja auch, besonders am Wochenende, oder?

Genau das wollte ich machen und habe mich getraut -
getraut ins Kino an einem Samstagabend.
700 Sitzplätze, 500 verkauft – 22:45 Uhr.

Es wird dunkel.  Popcorn-Gewitter klingt durch die Reihen – dumme Kommentare auch.
Werbung: „Das hier sind wir – Sachsen – Anhalt“.
“Ab Dezember im Kino“, „Will noch wer ein Eis?“

Der Film fängt an. Wird Zeit, ist auch nur 2,5 Stunden lang.

Keine 10 Minuten braucht es, bis die erste Katastrophe passiert.
Die Story ist simpel und jeder kann sie nachvollziehen, auch wenn es wissenschaftlicher Blödsinn ist.
Die Sonne sendet irgendwelche Strahlen, der Erdkern wird noch heißer, als er eh schon ist und die Kruste, auf der wir alle sitzen, schmilzt dahin.

Die Welt geht unter und Afrika am Ende auf! Das ganze passiert im Jahr 2012, weil die Maja einfach vergessen haben ihren Kalender weiter zu schreiben und deshalb nimmt der Durchschnitts -Verschwörungstheoretiker an, dass sie das Ende der Welt schon vor 500 Jahren gesehen haben.

Aber warum ist das Alles eine Ausgehempfehlung wert?

Der Film nimmt sich nicht ernst. Die Charaktere sind alle samt eine Überzeichnung üblicher Klischees und der Anspruch an „2012“ ist nicht gutes Schauspiel – hat man in diesem Fall als Zuschauer auch weder ein Interesse, noch eine Möglichkeit sich darauf zu konzentrieren.
Nein, es geht darum das Ende der Welt zu sehen und das optisch so realistisch, wie möglich.
Und dafür hatte Roland Emmerich ja Jahre lang Zeit zu üben.

Am Ende ist ALLES geschafft, was ein Weltuntergangsfilm auch schaffen muss:
einen Helden aus einem Lebensversager zu generieren (Jackson, gespielt von John Cusack), ein geschiedenes Ehepaar wieder zu vereinen, alle widerlichen Figuren des Handlungsstrangs sterben zu lassen, einen amerikanischen Präsidenten als Menschen zu zeigen, ein Liebespäarchen aus den üblichen Verdächtigen zu bilden, Eine Ansprache an die Welt und am Ende doch noch Hoffnung auf eine bessere Welt stehen zu lassen.
Das Gute beim Verlassen des Kinos: man findet plötzlich die gewöhnliche Welt total top, weil
keine 3 Kilometer hohe Flutwelle einbricht… in die Brandenburgerstrasse.